Логин

Пароль или логин неверны

Введите ваш E-Mail, который вы задавали при регистрации, и мы вышлем вам новый пароль.



 При помощи аккаунта в соцсетях


Menu Menu

Журнал «ПАРТНЕР»

Журнал «ПАРТНЕР»
Культура >> Новости культуры
«Партнер» №8 (263) 2019г.

Art Deco: секрет стиля

Маяковский, рассматривая в Америке в 1925 году нью-йоркские небоскребы, задиристо констатировал: «Это славные достижения современной инженерии. Прошлое не знало ничего подобного! Трудолюбивые ремесленники Возрождения никогда не мечтали о таких высоких сооружениях, качающихся на ветру и бросающих вызов закону тяготения. Пятьюдесятью этажами они шагают в небо, и они должны быть чистыми, стремительными, совершенными и современными, как динамо. Но американский строитель, лишь наполовину сознающий, какое чудо он создал, разбрасывает на небоскребах одряхлевшие и никчемные здесь готические и византийские орнаменты. Зачем? Это вроде как привязать к экскаватору розовые бантики или посадить целлулоидных «пупсиков» на паровоз. Это, может быть, и прелестно, но это не искусство. Это не искусство индустриального века».

 

Поэт, конечно, был не одинок в своих представлениях, однако миллионы людей сегодня любуются именно этой чистотой форм с причудливым, «неуместным» орнаментом в произведениях искусства, архитектуры и дизайна того самого «индустриального века»!

Американский дизайн возник позже европейского. Америка к 1919 году была еще «дизайнерской провинцией» и, хотя в то время имела самую передовую индустрию, но не имела культуры, соответствующей «индустриальному веку». История перенесения дизайна из Европы в Америку, а потом обратно, из Америки в Европу, очень интересна, но нас интересует сюжетная линия, связанная с Ар деко.

 

К концу ХIХ века в творчестве и сознании европейских мастеров искусств произошел решительный поворот к модернизму – это был ответ тому тягостному, беспокойному времени, в котором они жили. Почти одновременно, с разницей, может быть, в несколько лет, появляются различные течения и направления в искусстве, архитектуре и дизайне: ар нуво во Франции, «Сецессион» в Австрии, югендстиль и «Баухауз» в Германии, супрематизм и конструктивизм в России, футуризм в Италии, дадаизм в Швейцарии... Во всех случаях речь идет об одном художественном движении, объединенном общим названием «модернизм». Модернисты в своем художественном творчестве вытеснили человека из «центра мира» и взяли курс на тотальное новаторство, на «самоценное и самодовлеющее новое». Но и они, хитрецы, всё-таки вкрапливали в свои произведения художественные элементы старой школы, классического искусства.

Развивался модернизм во всех направлениях и стилях очень бурно, и в 1925 году Франция устроила выставку художественной промышленности – Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriales Modernes, которая подвела первые итоги развития новой эстетики в культуре послевоенной Европы. Там были представлены достижения архитектуры, дизайна декоративно-прикладных искусств того времени – повод для национальной гордости и успеха, что тут скажешь.

 

Подавляющее число экспонатов символизировало примирение нового искусства и индустрии. На первое место вышла функциональность, а декоративный элемент отодвинулся на второй план. Функциональность зданий, мостов, мебели, светильников, дизайна помещений и даже уличных фонарей. Потом уже объекты декорировались – неожиданно и дерзко, в меру понимания художниками Великой Красоты. Причем применялись натуральные материалы – металл, стекло, кожа, дерево, то есть всё, что выпускалось в массовом производстве.

 

Так появились прекрасные здания строгих форм с кружевными балкончикам и оградами из металла, «венские» стулья, абажуры из цветных стеклышек, стулья Чарльза Макинтоша и многие проекты, в которых использовался принцип так называемой функциональной Красоты. Это был новый стиль, в основе которого была простота и геометрическая выверенность форм в сочетании с оригинальной и даже помпезной отделкой. Этот же принцип применялся в произведениях живописи и скульптуры (Климт, Макинтош, Муха, Кокошка и другие). Стиль этот был необычным, иногда забавным, но производил сильное впечатление. Эффект выставки был космический.

 

Новый «функциональный» стиль был осознан. А как насчет названия? Принято считать, что стиль «Ар деко» получил свое имя от названия этой выставки. За точность ручаться не могу – подобной информации найти не удалось. Но это всё тот же «модерн», хотя в 20-е годы, когда «сошедшая с ума» Европа танцевала до упаду под звуки джаза, к стилю приклеились названия «джазовый модерн», «зигзаг-модерн», «стиль звезд». Но это всего лишь налет времени, «уличный сленг» в искусстве. В «Оксфордском словаре по искусству» (издание 1988 года) четко написано: «Ар Деко – самый модный стиль дизайна и оформления интерьеров 1920-х и 1930-х в Европе и в США». Заметьте, написано в 1988 году. А в серьезных изданиях тридцатых годов название звучит иначе – «стиль декоративного искусства». Так что...

 

Это определение стиля точнее. Художественные изделия декорировались обильно, а их формы вызывают ассоциации с Египтом, Африкой или Китаем. То есть стиль украшенной и украшающей вещи. Декор покрывал поверхности стен зданий и мебели, ткани и предметы быта, женские платья и посуду. Даже ювелиры предпочитали экзотику в сочетании с новизной форм. Рене Лалик, известный французский ювелир эпохи «ар нуво», прославился флаконами для духов, талисманами для авто, вазами, часами и другими стильными вещами. Интерьеры ресторанов, кинозалов, казино тоже оформлялись в стиле Ар деко. Он создавал иллюзию благополучия и был символом новой послевоенной жизни.

 

Естественно, европейский стиль был элитным. Потому и «стиль звезд», переименованный впоследствии в Штатах в «голливудский стиль». Общедоступным его сделала Америка. Она заимствовала его в Европе, вывезла оттуда и привила этот саженец в крону своей культуры. Америке не нужно было перенимать технику – в техническом отношении она была впереди. Но одно дело индустрия, а другое – индустриальная культура и искусство: из самой техники они не вырастают.

 

Время, когда это случилось, можно указать точно: 1925 год, та самая знаменитая Парижская выставка. В Париже можно было увидеть специальный павильон Ле Корбюзье с функциональной мебелью, выполненной им совместно с Шарлоттой Перриан, проекты автомобилей, павильон Баухауза, где были работы Вальтера Гроппиуса и его учеников, а также павильон СССР, сооруженный по проекту архитектора К. Мельникова, в котором были представлены интерьеры, мебель и другие работы А. Родченко.

 

Ни Корбюзье, ни Гроппиус, ни Родченко, ни Мельников, занимаясь дизайном, не думали, конечно, о торговле. Но именно о ней размышляли на Парижской выставке американцы. Среди них был и Норман Геддес, проектировщик, коему суждено было стать пионером американского дизайна. Вдохновленный примером европейцев, он сумел решить одну из труднейших проблем – проблему эстетического освоения новых индустриальных форм (самолетов, поездов, автомобилей, дизайна интерьеров и мебели).

 

В 1927 году в США возникла первая профессиональная дизайнерская фирма Уолтера Тига. Сколько бы эта фирма продержалась одиночкой, неизвестно, если бы не «Великая депрессия» 1929 года. Промышленность бедствовала, и создавались фирмы и компании, занимавшиеся чем угодно, и эти годы считаются временем рождения американского дизайна. А Нью-Йорк, бывший в начале 20-х годов «дизайнерской провинцией», пережив страшный спад, а затем мощный подъем экономики своей страны, в пятидесятые годы стал столицей дизайна. Собственно, сам дизайн, использовав всё лучшее и интересное, что было в европейском модернизме, в конце концов стал в американской жизни явлением специфическим, с которым буквально до сегодняшнего дня имеет дело Европа, куда «слегка подреставрированный» модернизм вернулся после Второй мировой войны; да что там Европа – пожалуй, весь мир!

 

Теперь о секрете стиля. Он в термине «Ар деко» (Art Deco), который появился в 1966 году во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts decoratifs de Paris (Музей декоративного искусства в Лувре, Париж). Эта выставка, пользовавшаяся небывалым успехом не только у французов, возвестила о возрождении интереса у людей к декоративным искусствам и дизайну 20х-30х годов – периода, когда все эти искусства процветали под общим названием «модерн».

 

Анатолий Сигалов (Ульм)

 

Читайтетакже:

  1. Модерн» и море, Ницца. Журнал «Партнёр», № 11 / 2006. Автор А.Сигалов
  2. Сезанн – прорыв в модерн. Журнал «Партнёр», № 11 / 2004. Автор А. Сигалов
  3. Ах, венская «прекрасная эпоха»! Журнал «Партнёр», № 7 / 2009. Автор Г. Цесарская

<< Назад | №8 (263) 2019г. | Прочтено: 41 | Автор: Сигалов А. |

Поделиться:




Комментарии (0)
  • Уважаемые посетители, в связи с частым нарушением правил добавления комментариев нашими гостями, мы вынуждены оставить эту возможность только для зарегистрированных пользователей.


    Оставить комментарий могут только зарегистрированные пользователи портала.

    Войти >>

Удалить комментарий?


Внимание: Все ответы на этот комментарий, будут также удалены!

Топ 20

Золотые россыпи Валерия Золотаревского

Прочтено: 496
Автор: Пруслин Г.

Ирина Антонова о современном искусстве

Прочтено: 442
Автор: Антонова А.

Новости культуры

Прочтено: 345
Автор: Ухова Н.

Выставка карикатур и шаржей Григория Крошина

Прочтено: 337
Автор: Редакция журнала

«А что у вас под платьем?»

Прочтено: 304
Автор: Баст М.

Перемена участи

Прочтено: 262
Автор: Ухова Н.

В Реклингхаузене увидят «Чудо света»

Прочтено: 260
Автор: Ухова Н.

Интеллектуальный коктейль

Прочтено: 238
Автор: Кротов А.

Фаюмские погребальные портреты

Прочтено: 220
Автор: Шпигель С.

Книга: бумажная или электронная?

Прочтено: 135
Автор: Шкляр Ю.

Сара Фергюсон: женщина, которая смеется

Прочтено: 105
Автор: Нахт О.

О балах и маскарадах: «Маска! Я тебя знаю!»

Прочтено: 57
Автор: Беленький М.